Thames And Hudson

  • A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
    Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
    De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
    Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.

  • Toutes les oeuvres créées par David Hockney ont une unique vocation : dire ce que cela signifie d'être dans le monde, de le voir, de s'y déplacer et de l'aimer. Pour ce célèbre peintre contemporain, les images constituent le véhicule idéal pour communiquer de tels sentiments, et il a consacré sa vie entière à l'exploration de moyens d'expression toujours plus convaincants.
    Afin de rendre compte de cette expérimentation constante, le présent ouvrage propose plus de 300 oeuvres sélectionnées par Hockney lui-même qu'accompagnent de nombreuses citations de l'artiste.
    Divisé en quatre chapitres, ce livre analyse l'oeuvre singulière de Hockney en abordant tout d'abord la problématique de la représentation sur une image fixe d'un monde en perpétuel mouvement, puis la nature autobiographique de l'oeuvre et l'importance particulière des portraits de membres de sa famille, d'amis ou d'intimes et, enfin, la quête de l'espace et de la lumière, deux préoccupations qui revêtent une importance majeure pour Hockney.

  • Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
    Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
    Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

  • Après les ouvrages consacrés à la sculpture grecque des périodes archaïque et classique, john boardman s'attache dans le présent volume à l'étude du second classicisme, période allant du ive siècle avant j.
    -c. au règne d'alexandre le grand. l'auteur examine les innovations propres à cette époque, notamment le nu féminin et le portrait, décrit avec minutie de nombreux monuments majeurs, dont le célèbre mausolée d'halicarnasse, et analyse les oeuvres de très grands artistes comme praxitèle ou lysippe, dont l'influence sur les générations suivantes fut immense. ce volume présente également la sculpture grecque des colonies d'italie et de sicile et les oeuvres destinées aux souverains non grecs d'orient.
    Enfin, le dernier chapitre insiste sur le rôle essentiel de la sculpture grecque dans le développement du goût occidental jusqu'à nos jours.

  • Lorsque, au milieu des années 1990, l'utilisation d'internet en tant que réseau mondial de communication de masse se généralisa, les artistes perçurent immédiatement son immense potentiel d'innovation créative.
    Cet ouvrage présente la grande diversité des formes que peut prendre l'art internet et examine les outils utilisés pour sa création tout en s'attachant à décrire le contexte culturel et l'importance historique des oeuvres. e-mail art, software art, sites web et autres projets qui brouillent les frontières entre l'art et des domaines tels que le design, le développement produits, l'activisme politique et la communication sont tour à tour analysés par l'auteur.
    L'art internet est l'un des tout premiers ouvrages à décrire comment les artistes ont utilisé les technologies en ligne pour créer des oeuvres d'un genre nouveau, capables de dialoguer à la fois avec l'histoire de l'art et des disciplines habituellement considérées comme extérieures à la sphère artistique. tout au long de cette étude abondamment illustrée, l'auteur cite les propos d'artistes, de conservateurs et de critiques qui tous nous offrent une perspective nouvelle et riche sur le sujet.
    Un glossaire et une chronologie aident le lecteur à identifier rapidement les oeuvres, événements et développements technologiques majeurs grâce auxquels l'art est véritablement entré dans le xxie siècle.

  • Mûrement réfléchi ou purement improvisé, géométrique ou lyrique, monochrome ou saturé de couleurs, l'art abstrait n'a cessé, depuis le début du siècle, d'étonner, de scandaliser, de fasciner.
    Toujours attentive au contexte historique et culturel, anna moszynska retrace la genèse de l'abstraction et s'attache à décrire les multiples évolutions de cette esthétique du jeu des formes, des couleurs, du mouvement et de la texture. en partant de la déconstruction de la figure opérée dans les années 1910 par les cubistes et, à la même époque, des travaux précurseurs de kandinsky, malevitch ou mondrian, l'auteur analyse les contributions des constructivistes russes, du groupe de stijl et des artistes du bauhaus, avant de considérer les origines de l'expressionnisme abstrait américain.
    Les oeuvres d'artistes " post-painterly ", op, cinétiques et minimalistes font l'objet d'un dernier chapitre dont la conclusion est consacrée au neo-geo, mouvement qui s'opposa à la réémergence, dans les années 1980, de l'art figuratif critique d'art, anna moszynska enseigne l'art contemporain au sothebys institute de londres et a occupé les fonctions de coordînatrice d'exposition pour le arts council of great britain.

  • Si les histoires de l'art du xxe siècle tendent pour la plupart à minimiser la présence aussi persistante que puissante de la peinture réaliste, le présent ouvrage première étude critique détaillée jamais publiée sur le sujet - montre à quel point le réalisme a marqué la peinture du xxe siècle.
    La signification du mot réalisme est multiple, notamment parce qu'il reflète l'extrême diversité des pratiques artistiques de ce siècle. l'étude de brendan prendeville permet au lecteur d'identifier ainsi les caractères propres au réalisme dans des contextes historiques, politiques et artistiques pourtant très divers. il analyse les principales catégories de peintures auxquelles le terme fut appliqué - réalisme social et hyperréalisme en particulier -, tout en gardant à l'esprit qu'une classification trop tranchée risquerait d'amener à sous-estimer l'empreinte plus profonde que le réalisme a laissé dans la peinture du xxe siècle.
    De eakins, bellows et hopper à vuillard, bonnard, balthus et morandi, de schiele à lucian freud en passant par david hockney, l'auteur dresse un panorama lumineux de la peinture au xxe siècle et montre comment l'influence du modernisme, tout comme les conflits politiques et l'émergence des nouveaux médias, ont pu modifier et renouveler la tradition occidentale du réalisme pictural.

  • Le mouvement arts & crafts exerça une influence prépondérante sur les arts décoratifs britanniques, américains et européens de la fin du xixe siècle, dans des domaines aussi divers que l'architecture, le mobilier, la céramique, la ferronnerie, le textile ou l'édition.
    Si ce mouvement regroupa diverses formes d'expression, les principaux architectes, artistes et artisans qui l'animèrent - tels que william morris et edwyn lutyens en grande-bretagne, frank lloyd wright et gustav stickley aux etats-unis, josef hoffmann en autriche et eliel saarinen en finlande - se firent tous les défenseurs d'une conception profondément morale de la création et de l'emploi de matériaux naturels en réaction au développement de l'ère industrielle.
    Leurs oeuvres, tant dans le domaine architectural que décoratif, ont participé à la définition actuelle du " design ".

  • « Les nouvelles technologies, la vidéo, le numérique attestent de la profonde mutation dans l'art contemporain de la fin des années 80. Cet ouvrage est un excellent cours de rattrapage pour amateur distrait ou débordé. » Art Press « Ce livre commente de manière très claire l'avènement de l'image numérique. » L'oeil « Ouvrage extrêmement documenté, richement illustré, avec un texte pédagogique ni scolaire ni abscons. Une vraie réussite. » Max « Première étude consacrée à ce nouveau champ artistique, cet ouvrage s'organise autour de quatre grands domaines médiatiques : l'art vidéo, les installations vidéo, les performances et l'art numérique. » Artension

  • Qu'il s'agisse de l'art minimaliste, conceptuel, de l'arte povera, de l'influence de joseph beuys, du néo-expressionnisme, du néo-conceptualisme ou du post-modernisme, aucun courant récent n'est absent du panorama de l'histoire de l'art de la seconde moitié du xxe siècle que dresse edward lucie-smith.
    Aux mouvements connus, il ajoute des oeuvres importantes et singulières, jusque-là considérées comme " périphériques " : celles, entre autres, des artistes afro-américains, ainsi que des mouvements régionaux aux etats-unis. de même sont présentées et analysées les nouvelles tendances de l'art latino-américain, russe, japonais, chinois, coréen, africain, caraïbe et aborigène. une bibliographie exhaustive ainsi qu'une chronologie raisonnée des mouvements clés de 1940 à nos jours achèvent de faire de ce livre le guide complet des questions, concepts et protagonistes de l'art de ces cinquante dernières années.

  • Ce livre est une déambulation photographique dans le Paris des boutiques et magasins aux vitrines et décors étonnants, poétiques et décalés.
    Perec disait qu'il fallait « interroger l'habituel même si nous y sommes habitués » : c'est ce que font ces images dans leur quête poétique de l'ordinaire, de l'infraordinaire.
    Ces lieux existent. Les cartes de visite en vis-à-vis en attestent. Ils sont là, au coin de la rue, mais notre regard a cessé de les voir, ne sachant plus s'arrêter sur les choses simples, émouvantes, parfois drôles, mais toujours riches de notre quotidien urbain. Valérie Weill et Philippe Chancel ont su garder cette capacité à voir et ils nous donnent en partage, grâce à cet ouvrage, leur regard un regard toujours généreux, curieux et pertinent.
    Que voit-on ? Que révèle ce regard ? Des juxtapositions incongrues, des accumulations improbables, des agencements graphiques, des décorations étranges, des univers privés pourtant hautement publics, des lieux d'une vie entière destinés à disparaître avec leur propriétaire.
    Que nous racontent ces décors et vitrines ? Une multitude de récits possibles. Ces images en disent long sur les propriétaires des lieux, mais elles nous racontent aussi ce que nous projetons sur elles. Chacun peut y glisser son
    histoire, une histoire. Quelle fut donc la réaction du cordonnier lorsqu'un client est venu lui déposer des bottes en caoutchouc ? On les aperçoit, tout en haut, discrètement perchées sur une étagère. Leur propriétaire les a-t-il oubliées, se doutant de l'impossibilité de la tâche ? On voit bien là qu'à partir d'une seule image et d'un seul détail peuvent naître toutes sortes de récits, des interrogations certes futiles mais qui font ces petits moments de bonheur où l'on sourit des incongruités du genre humain.
    Ce livre s'adresse aux amoureux de Paris, aux touristes qui veulent en garder un souvenir authentique, aux amateurs de photographie ainsi qu'aux passionnés d'art contemporain qui ne manqueront pas d'y voir autant d'installations trouvées.
    Livre tendance, livre cadeau, livre témoignage, livre d'artiste, Souvenirs de Paris sera un incontournable de la rentrée et des fêtes de fin d'année.

  • Les technologies numériques ont révolutionné la production et la réception de l'art.
    Non seulement les moyens d'expression traditionnels que sont la gravure, la peinture, la sculpture ou la photographie ont été profondément transformés par l'avènement du numérique mais d'autres formes radicalement nouvelles ont également vu le jour ; c'est le cas du net art, du software art, des installations numériques ou encore des manipulations de la réalité virtuelle, autant de pratiques désormais reconnues et soutenues par les plus grands musées, institutions et collectionneurs privés du monde entier.
    Dans cet ouvrage, christiane paul s'attache à décrire l'évolution de l'art numérique depuis son apparition dans les années 1980 et propose des pistes quant à son avenir. elle distingue les artistes qui utilisent le numérique comme outil pour créer des formes traditionnelles de ceux qui l'envisagent comme un médium à part entière, qu'ils manipulent pour produire des formes d'art inédites ; elle dresse, ce faisant, un panorama pertinent des oeuvres et des artistes clés du numérique.
    Les problématiques passionnantes de la collection, de la présentation et de la conservation des oeuvres numériques sont analysées, tout comme les thèmes propres à l'art numérique : l'interaction, la vie et l'intelligence artificielles, le militantisme social et politique, les réseaux et la téléprésence.

  • artisanats du monde Bryan et Polly Sentance Traduit de l'anglais par Lydie
    Echasseriau Parution : 1er avril 2010 Ce livre de référence sur l'artisanat
    mondial est une source de renseignements indispensable pour tous ceux -
    amateurs, étudiants, collectionneurs, voyageurs - qui s'intéressent à l'art, à
    l'artisanat et aux objets décoratifs, ainsi qu'à tout ce qui fait le sel de la
    culture humaine : sa diversité. Le tissage berbère, les pendentifs
    talismaniques nord-africains, les tapis-tigres tibétains, l'origami japonais,
    les hameçons maori, les calebasses gravées d'Amérique du Sud, la poterie
    amazonienne, les oeufs peints de Hongrie, les perles de verre de Venise, les
    mâts totémiques du Pacifique, les boîtes des Shakers... La diversité des objets
    artisanaux présentés dans cet ouvrage est véritablement impressionnante. Ce
    livre est en effet le premier à passer en revue, à l'échelle mon-diale, un si
    grand nombre de pratiques artisanales. La description et l'histoire des
    techniques utilisées - du tissage sur un métier de ceinture au découpage du
    papier en passant par la fonte des métaux ou la sculpture sur bois - et les
    illustrations qui les accompagnent mettent en lumière l'incroyable diversité
    des styles et l'originalité des différentes traditions. Qu'ils soient anciens
    ou contemporains, les objets présentés au fil des pages sont tous le fruit de
    méthodes de fabrication traditionnelles. Cet ouvrage s'organise en 6 chapitres,
    chacun consacré à une zone géographique précise : - l'Amérique du Nord -
    l'Amérique latine - l'Europe - l'Afrique - l'Asie - l'Océanie. Abondamment
    illustré et accompagné d'une liste des musées et collections spécialisés dans
    l'art populaire et l'artisanat, ce livre rend hommage aux traditions et aux
    savoir-faire du monde entier. Il montre comment, partout dans le monde, malgré
    l'accélération du phénomène de la mondialisation, ces traditions restent
    paradoxalement bien vivantes. Bryan et Polly sentance ont passé de nombreuses
    années à collectionner et étudier les objets artisanaux à travers le monde
    entier. Bryan Sentance est artiste, illustrateur et enseignant en art et
    artisanat. Il est l'auteur, entre autres, des ouvrages suivants : Le Bois :
    l'artisanat du bois dans le monde (La Martinière, 2003) ; La Vannerie :
    techniques et traditions à travers le monde (Flammarion, 2001) ; et Textiles :
    le tour du monde illustré des techniques traditionnelles, en collaboration avec
    John Gillow (Alternatives, 2000). Polly Sentance s'intéresse depuis toujours à
    l'artisanat ethnique et a participé en tant que chercheuse et photographe à
    l'élaboration de plusieurs livres sur l'artisanat. Volume relié 24 x 28 cm -
    240 pages 480 illustrations dont 475 en couleurs ISBN : 978-2-87811-346-4 38 ?

  • De watteau à david, de greuze à hogarth, de tiepolo à chardin, le xviiie siècle est l'époque de tous les contrastes et de tous les paradoxes.
    Une conception de l'homme s'y dissipe ; une autre s'y profile. " anciens idéaux, anciens régimes, anciens principes et anciennes formes d'art sont balayés - écrit michael levey - par la fumée de la bataille qui ne se dissipera qu'après waterloo. " introduction à l'étude d'une peinture qui va du frivole au cauchemar, affirme les puissances de la raison avant de constater ses limites, l'essai de michael levey dresse, d'une manière claire et précise, aussi élégante que le nécessite son sujet, le bilan d'une époque dont nous sommes directement tributaires et que ponctue, emblème brutal et flamboyant, concentrant toutes les tensions de la période, l'oeuvre de goya.

  • Présentation du livre Avant que l'on ne formule les théorèmes éblouissants de la psychanalyse, l'oeuvre du Norvégien Edvard Munch (1863-1944) portait déjà au grand jour - et avec quelle force - les conflits intérieurs, les déchirements de l'homme moderne.

    Figure de proue du mouvement d'avant-garde qu'était alors l'expressionnisme, Munch trouva très vite un lieu de refuge dans la bohème d'Oslo et de Berlin, villes où son oeuvre eut par ailleurs à souffrir de réactions d'intolérance, d'incompréhension et de rejet. Il lui fallut attendre le tout début du XXe siècle pour se voir reconnu par le public averti et être finalement considéré comme l'un des artistes majeurs de la période. Reconnaissance entérinée par les générations ultérieures et par notre propre modernité, pour laquelle des oeuvres telles que Le Cri sont devenues comme autant d'emblèmes ou d'images clés.

    L'étude passionnante de J. P. Hodin, qui connut Munch personnellement, s'attache à restituer à la fois toute la complexité du personnage et le contexte de la société scandinave qu'il dut affronter.

    Présentation de l'auteur J. P. Hodin a consacré de nombreux ouvrages aux débuts de l'art moderne et à la peinture contemporaine.

  • Le plus souvent considéré comme une forme d'art secondaire, un pâle écho de la perfection grecque - qui fut effectivement sa référence constante -, l'art romain a longtemps été l'objet d'un préjugé défavorable.
    Art "bourgeois", reflet d'une société prosaïque, il aurait manqué de cette légèreté nécessaire à l'accomplissement de tout grand art. dans son ouvrage devenu classique, sir mortimer wheeler montre pourtant quelle fut la logique profonde de cette culture, son originalité, sa réussite et combien l'art romain oscilla entre la perpétuation d'un académisme achevé, la répétition des formes parfaites, héritées de l'art hellénistique, et l'invention d'un langage nouveau, plus rudimentaire en apparence.
    S'attachant au cours de son enquête à analyser l'art du portrait comme celui de la mosaïque, de la peinture à fresque comme de la nature morte, mortimer wheeler cherche avant tout à démontrer que l'art romain s'organisa autour d'une vision totalement nouvelle de l'architecture, du décor intérieur et d'un urbanisme précurseur de celui de la ville moderne.

  • Aucun programme théorique, mais un inexplicable désir de saisir la réalité et de maîtriser la sensation, tout en en donnant l'expression la plus pure.
    Tel était le mot d'ordre de die brücke - et de la sensibilité expressionniste - selon l'un de ses adeptes, karl schmidt-rottluff. l'expressionnisme allemand, qui vint ébranler l'académisme triomphant sous le règne de guillaume ii, entre 1900 et 1914, fut une période d'intense créativité et l'un des temps forts de la modernité, au même titre que le cubisme et le surréalisme. sa définition de l'espace et, surtout, sa conception de la couleur, exercèrent une profonde influence sur l'art européen de la première moitié du siècle.
    Il reste néanmoins largement méconnu. retraçant l'histoire de ce mouvement extraordinairement fécond, wolf-dieter dube en restitue pour le lecteur contemporain toute la violence et les exigences à travers une série de courtes biographies, fondant son propos en particulier sur les témoignages d'époque et les écrits des artistes eux-mêmes.

  • Il a fallu attendre notre siècle pour que l'art baroque, et à plus forte raison le rococo, échappent enfin à la caricature et aux jugements négatifs dont on les avait accablés depuis le xixe siècle.
    Ecrivains, peintres et architectes s'employèrent dans toute l'europe, à partir des années trente, à la réévaluation de cette esthétique de la grâce et de l'excès. des recherches nouvelles, d'innombrables livres et articles conduisirent à la redécouverte d'artistes et de mouvements jusque-là ignorés ou méprisés. de borromini à balthasar neumann, du baroque sud-américain à celui de l'europe centrale, de l'art exquis de lajoue à celui de cuvilliés, on ne compte plus les révélations qui accompagnèrent cette nouvelle appréciation d'une période à la sophistication extrême.
    Germain bazin s'attache ici à restituer le développement de cette sensibilité dans toute l'europe, à en retracer les origines depuis la contre réforme et à en suivre les prolongements jusque dans le néoclassicisme, le goût de l'exotisme et l'art nouveau.

  • L'art de la haute renaissance, dont les principes furent formulés par léonard de vinci dans les années 1490, parvint à son plein épanouissement avec bramante, raphaël et michel-ange à rome, michel-ange encore à florence, et giorgione et titien à venise.
    Après la disparition de ces grands maîtres, aux alentours de 1520 les artistes orphelins éprouvèrent des difficultés à donner une direction à leur travail. les historiens d'art ont appelé cette période le maniérisme, un terme hélas entaché de connotations qui ont nui à l'appréciation de peintres comme le parmesan, le pontormo ou bronzino. loin d'être un art crépusculaire, le maniérisme est une école à part entière, à la fois portée vers l'avenir baroque et le passé gothique, fondée avant tout sur la primauté du dessin (privilégié par rapport à la couleur) et de la "manière", du style.
    Linda murray analyse ici les réalisations artistiques du xvie siècle, en italie, le grand foyer de l'époque, et ailleurs en europe, oú le maniérisme acquit une individualité très forte.

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