Ides Et Calendes

  • Cet ouvrage aborde la riche histoire des relations entre art et littérature durant un siècle - soit des années 1830 aux années 1930 - au cours des quelles elles furent multiples et variées.
    Ce phénomène peut s'exprimer de façons diverses à travers les livres, lorsque ceux-ci, par exemple, sont accompagnés d'« illustrations », de frontispices, d'estampes ou de compositions originales, mais aussi, plus subtilement, par des dédicaces d'écrivains à des peintres, des éditeurs ou des critiques d'art. Parfois, ce sont les écrivains eux-mêmes qui deviennent artistes en réalisant des dessins ou des photographies pour leurs livres. Dans d'autres cas, un peintre « enlumine » un ouvrage dans un exemplaire devenu alors unique ; ou bien, l'on a ce qu'on appellera plus tard des « livres d'artiste », dont la forme extrême est un ouvrage entièrement conçu et réalisé par un peintre.
    C'est cette richesse de l'interaction art / littérature que notre livre veut montrer. Mais il ne s'agit pas là d'un ouvrage consacré aux « illustrés modernes », et hormis quelques jalons, on n'y trouvera rien sur ceux-ci depuis Manet et ses suiveurs, ni sur les aventures éditoriales d'un Kahnweiler ou d'un Skira : cela a déjà fait l'objet de nombreuses études.
    La poésie est certes à l'honneur dans le choix de livres proposé ici, mais le roman et la critique artistique sont bien présents, eux aussi. Les livres donnent alors un éclairage singulier à ce siècle d'Histoire qu'illustre l'osmose entre peinture et écriture. Ce sont ces échanges parfois intimes que l'on aborde ici, avec l'ambition principale de donner à percevoir l'atmosphère - le parfum - des époques qui s'y succédèrent. À travers le caractère précieux des ouvrages étudiés, notre livre est aussi une invitation à s'approcher de la rareté, qualité majeure pour les amateurs.
    Grâce aux livres, ces objets devenus sujets, l'exploration de la littérature et des arts est un périple où l'on appréhende la période peut-être la plus fertile et la plus créative depuis la Renaissance.
    Un ouvrage solidement documenté et magnifiquement illustré qui satisfera les amateurs les plus exigeants.

  • Lorsqu'un dialogue s'établit entre l'artiste et la nature, cela donne lieu à la création d'oeuvres dont la beauté sert souvent la profondeur des idées des créateurs. En intervenant dans la nature, les Land artistes - ou artistes environnementaux - avaient amorcé une réflexion sur l'écologie dès la fin des années 1960-1970. A cette époque était apparue la volonté d'échapper au marché de l'art et aux lieux d'exposition.
    Ce livre, dont l'originalité est d'être composé notamment d'une dizaine d'entretiens exclusifs avec des artistes contemporains internationaux, propose à la fois d'analyser certaines oeuvres et de recueillir les pensées et les propos inédits des créateurs afin de comprendre pourquoi ils ont assimilé les pratiques originelles du Land Art tout en explorant de nouvelles pistes. Comment parviennent-ils à tisser des liens privilégiés avec l'environnement naturel, dans une démarche respectueuse et holistique qui inclut tous les éléments de la création ?
    Notre ouvrage propose, sous la plume de Muriel Berthou Crestey, une relecture d'un courant artistique majeur dont les prolongations se retrouvent jusque dans le Street Art. Dans un style fluide, l'auteur fournit dans ses études et ses commentaires un support de connaissance, de rêverie, d'inspiration et de réflexion, aux amateurs d'art, de nature et de jardins, comme aux architectes et aux paysagistes.
    Ce livre est richement illustré de photographies pour partie inédites.

  • Henrik Ibsen, le plus célèbre des écrivains scandinaves, a pourtant vécu vingt-sept ans hors de la Norvège et a distillé son amertume envers son pays natal dans des portraits grinçants de provinciaux sans idéal. Admiré dans toute l'Europe de son vivant, il est compris par les symbolistes comme l'auteur d'un théâtre d'art, espace de pensée et de rêve voué aux apparitions spectrales de personnages évanescents, alors que les naturalistes voient en lui le « Zola du nord » et célèbrent ses drames bourgeois faisant la part belle à la défense de l'émancipation féminine et à la dénonciation des politiciens corrompus.
    Ce sont toutes ces facettes et ces contradictions que ce livre tente de restituer : Ibsen féministe mais conservateur, Ibsen patriote quoique critique envers la Norvège, Ibsen inventeur du drame moderne tout en revendiquant le modèle de la « pièce bien faite » de Scribe et Augier n'a pas fini de nous étonner.

  • Faire connaître les Kararaô, un groupe d'Indiens Kayapo du Brésil central qui ne compte en 2010 que cinquante-quatre personnes, en se concentrant sur leur histoire extrêmement complexe : telle est la finalité de cet essai signé par l'anthropologue Gustaaf Verswijver après trois années de recherches intensives menées sur l'histoire de ce peuple très peu connu. Une histoire qui, bien que les Kararaô ne se séparent des autres groupes Kayapo qu'au début des années 1930, se compose d'une suite ininterrompue de scissions et de fusions, de déplacements pour échapper aux attaques et aux massacres, de conséquences désastreuses provoquées par le rapprochement avec la société brésilienne. Cette histoire reflète non seulement la lutte pour la survie des Kararaô, mais elle témoigne encore de l'incapacité de l'État brésilien à leur fournir une aide adéquate avant les années 1970. Elle atteste enfin de l'impunité dont bénéficient les colons brésiliens (et leurs patrons) qui ont entrepris d'éliminer les Indiens.
    S'intéresser aujourd'hui aux Kararaô relève de l'urgence au vu des menaces nombreuses pesant sur eux. L'un des plus grands barrages hydroélectriques au monde a été construit à proximité de leur zone d'habitat, affectant leurs pêcheries et créant des mares d'eau stagnante propices aux maladies d'origine hydrique et au paludisme. Ils souffrent d'autre part de la déforestation et de l'exploitation illégale des ressources abondantes naturelles de leurs terres. Au cours des deux dernières décennies, ils ont réussi à défendre leur forêt, source de vie, leur procurant nourriture et médicaments. Mais la pression augmente...

  • Le 1er juin 1938, une tempête s'abat sur Paris, faisant une victime : Ödön von Horváth, né 37 ans plus tôt, tué par une branche que le vent arrache alors qu'il sort d'un cinéma. La fin tragique de cet écrivain fauché en plein élan est à l'image de textes qui ne cessent de nous interroger et dont les titres semblent à eux seuls une profession de foi poétique : Casimir et Caroline, Légendes de la forêt viennoise, Foi amour espérance, Don Juan revient de la guerre, Nuit italienne... Enfant de la Mitteleuropa, attaché à sa langue comme à une patrie, Horváth assiste avec stupeur à la montée des nationalismes et des extrémismes, lui pour qui le dialogue est sans doute l'essence de l'humanité. C'est par l'écriture en général, par le théâtre surtout qu'il témoigne des injustices, des scandales, des lâchetés, mais aussi des beautés qu'il découvre. Son oeuvre, à nulle autre comparable, est faite de fulgurances poétiques, d'ambiances et de mouvements, de lumières et de couleurs. Développant un art du fragment et de la fresque dramatique, il dessine le destin d'êtres, de femmes en particulier, saisis dans les convulsions d'une société déboussolée : celle de l'Europe qui vacille au bord de toutes les abîmes.

  • Prix Nobel de littérature en 1934, Luigi Pirandello (1867-1936) n'en reste pas moins un classique méconnu. Par ses quarante-trois pièces, sept romans et deux-cent quarante et une nouvelles - auxquels s'ajoutent sept recueils de poèmes et des essais copieux -, il a déployé une oeuvre monumentale et intimidante, qui sema la panique sur les scènes de l'époque avec une déconstruction audacieuse de la comédie bourgeoise.
    Six personnages en quête d'auteur, Ce soir on improvise ou Les Géants de la montagne - des pièces montées par des monstres sacrés comme Ingmar Bergman, le Living Theater ou Giorgio Strehler - ne sont que les arbres qui cachent une forêt obscure, dressée comme une forteresse par un Sicilien athée épris de philosophie. Sa force n'est pas dans l'intelligence mais dans le désespoir, dans une radicalité qui déchiffre sans pitié les contradictions de l'existence.
    Pirandello se disait lui-même balloté « dans un tumulte des pensées et des sentiments, dans lequel quiconque se sentirait chavirer comme dans les spirales tournoyantes d'une tempête ; un vertige à en mourir ou à devenir fou ».
    Son génie indéniable est à la mesure de cette onde de choc, des vagues inconsidérées qu'il provoque à son corps défendant, en essayant de contenir une énergie brute et éprouvante dans une « croûte conceptuelle », dans une « coagulation douloureuse » : « mon travail est comme une fresque de Tiepolo », clamait-il en réaction aux mises en scène trop pédantes de ses pièces, « perpétuellement balayé par un vent fantasque ».

  • Cette nouvelle édition tant attendue du catalogue raisonné de l'oeuvre peint de Nicolas de Staël est la troisième depuis 1968, établie alors par la veuve du peintre, Françoise de Staël disparue en 2012. Revue et augmentée par Marie du Bouchet et Gustave de Staël, elle reprend la version épuisée de 1997 parue aux éditions Ides et Calendes, en la renouvelant avec des notices enrichies des nombreuses expositions, livres et ventes d'oeuvres qui ont fait vivre la peinture de Nicolas de Staël depuis lors.
    Un long travail de recherche a permis, grâce aux Collectionneurs, Maisons de vente, Galeries et Musées, de rassembler un très grand nombre de reproductions en couleur. Nous sommes donc particulièrement heureux aujourd'hui de pouvoir publier pour la première fois un catalogue raisonné tout en couleur.
    Le corpus de l'oeuvre est composé aujourd'hui de 1120 tableaux. Dix-neuf tableaux ont été ajoutés, dont 7 qui ont été reconnus depuis 1997 comme étant de la main de Nicolas de Staël et 7 esquisses qui étaient déjà intégrées dans le premier catalogue raisonné en 1968, puis retirées par Françoise de Staël dans l'édition de 1997. Il a été décidé de les réintégrer afin de réaliser un catalogue exhaustif de l'oeuvre.
    Pour la première fois également, ce catalogue raisonné paraît en langue anglaise, ce qui permet de refléter la présence internationale de l'oeuvre. Un grand nombre de peintures étant conservées dans les collections privées ou muséales américaines et britanniques, le choix de l'anglais pour cette publication nous a paru évident. Les textes qui font partie des écrits fondateurs de l'oeuvre de Nicolas de Staël, tels que celui d'André Chastel, de Roger van Gindertael, de Germain Viatte ou d'Anne de Staël seront donc accessibles aux lecteurs amateurs et collectionneurs étrangers. Nous sommes reconnaissants à Madame Eliza Rathbone (spécialiste reconnue de l'oeuvre du peintre) d'avoir rédigé une introduction qui retrace avec grande précision l'histoire de la renommée de Nicolas de Staël aux États-Unis.
    Ce Catalogue raisonné des peintures fait écho au « Catalogue raisonné des oeuvres sur papier » parue en 2013 aux Editions Ides et Calendes.

  • Le théâtre de Max Frisch développe sous forme ludique et métaphysique la pensée d'un moraliste convaincu que la dignité de l'homme réside dans la liberté : la culpabilité, la bien-pensance, le narcissisme, l'infidélité, l'ennui, l'affabulation, la conscience qui fractionne la réalité, le rêve qui l'unifie et la fait disparaître, la fatalité des stéréotypes. Il est difficile de situer une telle oeuvre qui doit autant à la dramaturgie brechtienne qu'au théâtre de l'absurde. Dans ces vertigineux huis-clos se rencontrent le baroquisme d'un Pirandello et la fable existentialiste. Théâtre du doute absolu et de la dérision, théâtre de la conscience politique plus que théâtre politique, l'oeuvre dramatique de Max Frisch constitue un solide remède pour notre époque, éprise de certitudes.

  • Le parcours atypique de Michel Vinaver lui a appris à se trouver à la fois au coeur et à distance de toute chose, et c'est peut-être l'un des fondements de sa pratique d'auteur. Venu au théâtre par hasard, il ne s'est pas contenté de l'écriture de pièces : ses Ecrits sur le théâtre, entre autres, en témoignent et soulignent son acuité de lecteur, de spectateur autant que ses relations houleuses mais fécondes avec la mise en scène.
    « Aujourd'hui est le plus beau jour de ma vie », déclare un de ses personnages. Collision entre le quotidien et les fissures de l'Histoire et des mythes, l'oeuvre de Vinaver, depuis les années 50, instaure un rapport vivant et inédit au monde, un ici et maintenant vers lequel tout converge. Son écriture fragmentaire aux allures de chronique, innervée par l'ironie, ne cesse de fouiller le réel, d'en proposer la redécouverte en inventant gaiement les voies pour le traverser et résister à ses assauts. A bien des égards iconoclaste et précurseur, le théâtre de Vinaver invite, dialogue, en même temps qu'il bouscule, mais sans jugement.
    Ce livre propose de cheminer dans une « dramaturgie du passage » afin de rendre sensible la remarquable intégrité d'un auteur qui chante le monde avec la persévérance, la distance et la poésie d'un clown-blanc.

  • L'oeuvre dramaturgique d'Aimé Césaire (1913-2008) tient en une trilogie (à laquelle on peut ajouter Et les Chiens se taisent, son premier essai d'écriture scénique, qu'il désignait sous le terme d'oratorio). Mais il est parvenu, en faisant une moisson inégalée d'images flamboyantes, à exposer dans ces trois textes les moments primordiaux de l'histoire du peuple noir : la libération de l'esclavage et un pays à créer dans La Tragédie du roi Christophe, la difficile accession à l'indépendance et le caractère impitoyable du néo-colonialisme dans Une Saison au Congo et la réalité du racisme et de la ségrégation dans Une Tempête. Cette trilogie constitue comme la tête de lecture de l'oeuvre entière de Césaire en permettant d'interpréter à leur juste valeur les autres textes majeurs - d'une indéniable théâtralité - tels que Cahier d'un retour au pays natal ou Discours sur le colonialisme. Elle se présente surtout comme « la poésie mise à la portée du peuple », selon le voeu de l'auteur. Ce livre s'efforce de mettre en évidence l'étonnante actualité, à portée universelle, de ces démonstrations qui sont comme autant de témoignages toujours à méditer.

  • Plus encore que l'écriture, la femme Marguerite Duras est devenue le personnage central de la représentation. Corps de l'écrivain et corps de l'écriture, indissociables. Ce corps-là, trouble, en constante mutation, en recherche, dans le flou, le vide, les creux, les trous et le Rien, ce corps représenté dans toute sa perte, questionne aujourd'hui encore notre propre vécu, nos gouffres intérieurs, notre intimité. Un théâtre des voix : nul autre intermédiaire que cette voix, celle de l'auteur, devenue pensée, état sensible du corps tout entier. Elle nous dit que rien, jamais, n'est accessible, que seuls le Tout du monde, la Nature, le climat, nous sont donnés. Tout le reste - l'être au coeur de cette nature, de ce climat, l'être face à la mer - n'est que béance, supposition, doute.
    Le théâtre de Marguerite Duras part de l'être humain et des sensations par lui éprouvées : alors, cet être humain devient personnage et avec lui seulement, et dans un second temps, survient la fable. Mais cet être humain initial, c'est déjà de la littérature, du théâtre et du cinéma : aucune histoire toute faite, aucune péripétie ne primeront jamais sur cet être-là.

  • Le théâtre de Jean Genet (1910-1986) se compose d'une poignée de pièces : Les Bonnes, Haute surveillance, Elle, Splendid's, Le Balcon, Les Nègres, Les Paravents... Cette oeuvre majeure a suscité le scandale tout autant qu'elle a intéressé parmi les plus grands metteurs en scène du XXe siècle. Elle exacerbe le "fictif", le semblant, l'illusion. Elle est politique mais d'une drôle de politique, acharnée à arpenter le territoire du négatif.
    Elle est, en effet, écrite "contre" : contre les Blancs, la société, contre Genet lui-même. Mais elle se révèle être aussi un fabuleux chant d'amour adressé au théâtre. "Que perdrait-on si l'on perdait le théâtre ?", demandait-il en 1967. Une telle question ne se pose pas moins aujourd'hui. Le Théâtre de Jean Genet essaie, tant que faire se peut, d'y répondre et, pour cela, de suivre les pistes qu'indiquent ses pièces et ses nombreuses réflexions sur le théâtre.

  • Si différentes soient-elles, les toiles de Zao Wou-Ki, depuis qu'il s'est créé son langage personnel au début de la seconde moitié du XXe siècle, portent sa signature à chaque point de leur composition, la signature d'un art en étrange pays où se fondent les espaces venus du champ de la cosmologie et des signes de la Chine ancestrale avec les espaces nés de l'affranchissement moderne chez nous, de la perspective, de Cézanne à cette abstraction lyrique qui prit son essor après la seconde guerre mondiale ; en étrange durée donc puisque celle-ci semble ne jamais s'interrompre chez lui entre les premières manifestations de cette spécificité chinoise de faire passer dans l'art le souffle de l'univers et notre fin du XXe siècle.
    Il n'y a pas de progrès en art et Zao Wou-Ki le sait mieux que personne. Il faut l'entendre s'enthousiasmer devant des pots à vin tripodes, les plus anciens qui nous soient venus de l'âge de bronze en Chine, sortis des objets du néolithique, comme devant les peintres T'ang ou la calligraphie primitive, la plus spontanée. Mais s'il n'y a pas de progrès, l'artiste qui ne porte pas en lui la vision de son temps ne peut être qu'un épigone.
    La peinture de Wou-Ki s'inscrit dans la lignée immémoriale de l'art chinois parce qu'au lieu de la suivre, elle y apporte les interrogations sur le sens de l'art, plus exactement sur le sens de la peinture, nées de notre modernité occidentale, nées des révolutions opérées dans la peinture quand celle-ci s'est émancipée en France des chefs-d'oeuvre qu'on jugeait insurpassables de la Renaissance.

  • Tennessee Williams - comme F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, Truman Capote et Carson Mac Cullers - est devenu un écrivain mythique. Une tradition américaine, avec sa part de gloire et de destruction, et son parfum de vie mondaine. Cet essai revient sur les origines de ce mythe et sa dégradation progressive jusqu'au drame final. Il donne quelques pistes pour la lecture de l'ouvre : son style particulier, profondément poétique et éloigné de tout réalisme, et ses thèmes récurrents, obsessionnels (avec de nombreux extraits traduits en français de textes encore inédits en Europe). La vie de Tennessee Williams est aussi largement abordée, indissociable de l'ouvre : chez Tennessee, vie privée et écriture sont intimement mêlées. Une vie chaotique avec toutes ses complexités. Je souhaite surtout que le lecteur ressente combien il en a coûté à Tennessee Williams d'être lui-même dans cet envoûtant parcours de vie et d'écriture ; le processus même de la création avec son pendant obscur : la destruction.

  • Voici un Tchekhov personnel signé par Georges Banu qui, depuis longtemps, fréquente ses textes et suit leurs mises en scène. Ce livre dessine le territoire de la fameuse tétralogie qui débute avec La mouette, se poursuit avec Les trois sours et Oncle Vania et s'achève avec La cerisaie, tétralogie dont l'auteur est l'un des exégètes les plus réputés. Cet essai met en évidence les grands motifs qui traversent l'ouvre. Il dégage aussi les résonances avec aujourd'hui, nées du regard de proximité posé sur l'homme et de la perspective lucide proposée sur l'histoire. Il existe un « monde » tchékhovien et ce livre en épouse le paysage visible, de même qu'il saisit les courants souterrains qui le traversent. Héritier du XIXe siècle et à l'orée du XXe siècle, ce théâtre se situe au carrefour de l'Ancien et du Nouveau : Tchekhov frappe à la porte et Beckett entre.

    Georges Banu, universitaire et essayiste, a consacré ses ouvrages aux grandes aventures de la mise en scène. Il est l'auteur d'essais sur les grandes pièces de Tchekhov et a dirigé le volume collectif consacré au Théâtre d'art (Théâtrales), où Tchekhov et Stanislavski occupent une place centrale.

    Il a reçu le Grand Prix de l'Académie Française (2014).

  • Entre le début des années cinquante et la fin des années quatre-vingt, en quelque quarante ans d'écriture dramatique, Samuel Beckett produit une ouvre majeure, qui exerce jusqu'à aujourd'hui une influence profonde sur la création théâtrale. Cet ouvrage permet de découvrir les principaux aspects du théâtre beckettien, en même temps qu'il en offre une nouvelle approche. Selon Catherine Naugrette, il n'y a pas en effet un seul mais plusieurs théâtres de Beckett, non pas un geste d'écriture mais une succession de langages dramatiques dont le principe est l'expérimentation systématique des moyens et des différents procédés du medium théâtral. Les textes que l'on rassemble habituellement sous le terme générique de « théâtre beckettien » correspondent en réalité à des écrits très différents. Conçue pour la scène, pour la radio ou pour la télévision, sous forme de pièces, de dramaticules ou de fragments, l'écriture dramatique est déclinée sous toutes ses formes, selon toutes ses possibilités. La mise en lumière de plusieurs théâtres en un seul permet ainsi de mettre à jour le cheminement d'une ouvre qui conduit Beckett jusqu'aux limites les plus extrêmes de l'art théâtral tout en faisant de lui le précurseur des expériences les plus contemporaines.

  • Pier Paolo Pasolini est surtout connu pour les six pièces qu'il écrivit en 1966 et pour son Manifeste pour un nouveau théâtre paru en 1968.
    Cependant, à chaque période de sa vie, le théâtre est présent. Dès ses années lycéennes et universitaires à Bologne, il lit du théâtre, assiste à des représentations et fait ses premières expérimentations pratiques. Dans le Frioul, terre maternelle, il découvre le monde paysan auquel il voue un attachement intime, il entend le dialecte frioulan et il écrit alors des dialogues et des poésies, fixant par écrit un dialecte qui n'était pas destiné à l'être ; à Rome, enfin, où c'est le monde des sous-prolétaires qui l'attire au sortir de la guerre, il s'interroge sur la façon de le représenter et invente son fameux adage : « Représenter la réalité à travers la réalité ». Au-delà des concepts et de ses écrits théâtraux, Pasolini s'essaye au théâtre, il écrit des chansons et un spectacle mêlant danse, chants et textes pour Laura Betti et il traduit Eschyle et Plaute pour la scène.
    Ce livre présente le parcours théâtral de Pier Paolo Pasolini, un parcours indissociable des changements historiques et du contexte théâtral italien des années quarante aux années soixante-dix, du fascisme qui entendait interdire les dialectes, à la société de consommation qu'il abhorrait. Un parcours historique bien que dirigé vers l'avenir, tant le théâtre de Pasolini, « théâtre de Parole » comme il le désignait lui-même, est un théâtre à oraliser et à jouer, un théâtre où la métathéâtralité, omniprésente, peut permettre de produire un rapport nouveau entre acteurs et spectateurs et de bouleverser, aujourd'hui encore. Un théâtre où la musicalité et la poésie des mots provoquent une émotion d'une puissance rarement égalée.

  • Maurice Maeterlinck, au même titre que Henrik Ibsen, Anton Tchekhov ou August Strindberg, fait partie des grands dramaturges : tous contribuèrent à transformer la conception du drame. L'influence de Maurice Maeterlinck dans l'histoire du théâtre du XXe siècle s'est exercée à la fois sur le plan théorique et sur le plan pratique. Elle a notamment nourri les recherches de Meyerhold et de Kantor. Aujourd'hui, de Claude Régy à des metteurs en scène de la nouvelle génération, on voit s'opérer la redécouverte de cette oeuvre. Auteur de pièces aussi fameuses que L'oiseau bleu ou Pelléas et Mélisande, Maeterlinck fut une figure emblématique du mouvement symboliste. Son écriture théâtrale ne saurait être dissociée de ses essais que traverse la référence à la pensée mystique et à la tradition ésotérique - une référence centrale chez les artistes symbolistes. Contre le naturalisme, Maeterlinck revendique aussi pour le théâtre la nécessité poétique de tracer le chemin « de ce qu'on voit à ce qu'on ne voit pas ». Cette ouverture à l'invisible est la clef de son univers dramatique - la question du voir, avec ses pouvoirs et ses limites, devient centrale. L'espace de son théâtre n'est autre que cet espace d'où est porté ce regard aux frontières du visible, un espace humain au bord de la mort et où seul importe ce qui traverse les âmes.

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  • Figure importante de l'art brut, Carlo Zinelli - dit Carlo - naquit en 1916 à San Giovanni Lupatoto en Italie. Il est le sixième enfant d'une fratrie de sept. A l'âge de 2 ans, il perd sa mère. Très tôt, Carlo se passionne pour la musique. A Vérone, il travaille à l'abattoir municipal.
    La guerre. D'abord enrôlé comme chasseur alpin, il partira pour l'Espagne prendre part à la guerre civile. Il en revient deux mois plus tard déjà, blessé. Suivent deux ans de convalescence à la suite de laquelle il sera réformé. Blessé dans son être et dans son rapport défaillant aux autres, Carlo Zinelli s'est exfiltré d'un monde pour en investir un autre, le créer sans relâche et peut-être le redéfinir. De 1941 à 1947 des crises successives d'angoisse et d'agressivité le mènent en effet périodiquement en hôpital psychiatrique. Il est enfin interné pour schizophrénie paranoïaque. Pendant une longue période il ne fera que des graffiti, sur le sol, sur les murs. Ce n'est qu'à partir de 1957 que Carlo pourra donner libre cours à sa créativité : il peut enfin s'exprimer grâce à un atelier d'expression libre qui s'est ouvert dans l'hôpital. Dans ses dessins à la gouache ou au crayon, dans cette épopée quotidienne que seule la mort interrompra après vingt-sept ans d'internement (il mourra en 1974 à l'hôpital de Chievo à Vérone), ses deux mondes de schizophrène se rencontrent, se fécondent et s'apaisent mutuellement. Le cortège d'hommes, de femmes, d'animaux plus ou moins exotiques est infini.Les êtres passent, ombres sans visage, corps mutilés, perforés, crucifiés, ensevelis. S'ils portent tous les stigmates de l'impossible oubli, l'odeur de la terreur, de la souffrance, voire de la mort, n'y est plus. Lavée. Neutralisée.
    Des expositions des oeuvres réalisées dans l'atelier sont organisées en Italie et à l'étranger. C'est alors que Jean Dubuffet voit celles de Carlo et en acquiert de nombreuses qu'il intègre dans sa Compagnie de l'Art brut (aujourd'hui Collection de l'art brut, à Lausanne). L'artiste laissera 2000 oeuvres environ.
    S'il y a de nombreux textes consacrés à Carlo, dans des catalogues d'exposition notamment, s'il figure en bonne place dans les ouvrages consacrés à l'art brut, peu de publications lui ont été spécifiquement consacrées. Il s'agit là de la première étude en français à lui être exclusivement consacrée.

  • « J'échappe par le théâtre à ce qui m'ennuie dans mon métier d'écrivain », disait Camus à la fin de sa vie, opposant la camaraderie, la solidarité des gens de théâtre à « l'encombrement frivole » et à « l'abstraction qui menace tout écrivain ».
    Sans doute avait-il pressenti dès ses jeunes années la nécessité vitale de cette échappatoire, vécue paradoxalement comme un ancrage dans la communauté des hommes et dans une certaine forme d'action, puisqu'il fondera dès 1935, à Alger, le Théâtre du Travail, puis bientôt le Théâtre de l'Equipe. A la fois auteur, adaptateur, metteur en scène, comédien, machiniste, il se donnera sans compter à ces projets, amorçant une trajectoire théâtrale placée sous le signe de la passion et de la fraternité.
    Ce livre s'attache à retracer cette trajectoire qui se fracassa au bord d'une route nationale un matin de janvier 1960. Il s'efforce aussi de percevoir et donner à voir les mouvements, les voix, les lumières du théâtre de Camus : un langage en soi, mû par une dynamique propre, mais peuplé d'échos et de reflets qui, parfois, évoquent vivement ou sourdement l'ouvre du romancier, de l'essayiste, du journaliste - et l'engagement d'un homme.

  • De ses débuts en 1825 jusqu'à sa mort en 1870, Alexandre Dumas a été l'un des dramaturges les plus prolixes et les plus inventifs de son temps. Son Théâtre complet rassemble quelque cent pièces, tous genres confondus, mais celles que nous connaissons encore datent de sa jeunesse quand, aux côtés de Hugo, il imposait le drame romantique au public. Henri III et sa cour, Antony, La Tour de Nesle furent autant de triomphes que de scandales. Dumas n'a jamais cessé d'être un inventeur et un expérimentateur de formes dramatiques, pratiquant l'écriture en collaboration, adaptant ses plus célèbres romans à la scène.
    Avec son sens aigu du rythme et de l'action, Dumas imagine un théâtre spectaculaire, qui engage les personnages dans des intrigues haletantes. Décors sidérants, dialogues vivants, tout dans la dramaturgie dumasienne est pensé pour les acteurs et pour la scène. Le théâtre de Dumas est parfois réduit à une série de péripéties ou à de vastes reconstitutions historiques. Au vrai, ses pièces sont politisées et questionnent la place de l'individu dans la société du XIXe siècle. Plus généralement, le théâtre de Dumas montre comment le pouvoir vacille quand les passions individuelles le corrodent ; comment les ambitions personnelles s'écroulent quand le passé refoulé remonte à la surface. Le théâtre d'Alexandre Dumas se propose de revisiter l'oeuvre d'un des plus importants dramaturges de son temps, en montrant l'actualité et la pérennité de son propos.

  • John Millington Synge (1871-1909) est l'un des plus grands dramaturges irlandais. S'il est surtout connu pour Le Baladin du monde occidental qui déclencha en 1907 de véritables émeutes à Dublin avant de devenir un succès mondial, son oeuvre forme un ensemble uni par une langue de haute poésie, l'anglo-irlandais des mendiants, des pêcheurs et des rétameurs auxquels Synge donne la parole avec une force pleine de vie : « Dans une bonne pièce de théâtre, chaque réplique devrait être aussi pleine de suc qu'une pomme ou qu'une noix », écrivait-il.
    Bien que ses pièces soient souvent jouées dans le domaine francophone, il n'existait à ce jour aucun essai qui présente cette oeuvre essentielle de la littérature européenne. Françoise Morvan, qui a traduit tout le théâtre de Synge comme un grand poème, nous offre, avec ce premier essai, une présentation sensible et précise d'une oeuvre encore à découvrir.

  • « Ce manuel explique à la fois le théâtral et le dramatique. Il contient les rudiments les plus simples et, en même temps, les plus savants pour préparer les simulacres nécessaires à la cérémonie dramatique et à la fabrication des ombres et des fantômes de la scène.
    « Pour l'homme de métier, il enseigne ce qu'il doit connaître d'abord au théâtre avant d'autres préoccupations : la pratique de la sincérité et les lois physiques du simulacre, les tours de main et d'esprit qu'il faut acquérir pour changer les réalités en illusions et faire vrai l'invraisemblable.
    « C'est d'abord par l'étrange, le fabuleux, ou le fantastique créé par l'appareil de la scène et ses décors, que le spectateur suit docilement le poète dramatique dans cet empire inconnu du théâtre qui n'a plus rien de commun avec le monde sensible qui nous entoure. Toiles, rideaux, châssis qui montrent en mille formes diverses tout ce que Dieu créa en six jours et tout ce que l'homme a ajouté : aurores, crépuscules, nuages et arcs-en-ciel, mers et montagnes, fontaines et rivières, palais, maisons, leurs rues et leurs places, paradis et enfer : il n'est pas jusqu'aux spectres que Sabbattini n'ait « pratiqués » ou fabriqués.
    Hormis l'art d'écrire ou de jouer, Sabbattini sait du théâtre tout ce qu'on en peut savoir. » Extrait de la préface de Louis Jouvet

  • Quels sont les regrets ou les surprises qui ponctuent une vie de photographe ? Quelles sont les stratégies de réalisation, de partage et de diffusion qui leur correspondent ? Comment se sont forgés les points de départ, le thème, les formes etc. ? Quels sont les états d'âme des photographes ? En quoi les nouvelles technologies ont-elles modifié leurs pratiques ? Pour répondre à ces questions et à beaucoup d'autres, Muriel Berthou Crestey a rencontré des photographes représentatifs de différents mouvements de l'époque contemporaine.
    Ces entretiens ont pour ambition de décrypter les mystères qui enveloppent les différentes étapes de réalisations et de révéler la part insondable de l'art dont l'oeuvre constitue le point d'aboutissement. L'auteur en donne dans ce livre une preuve magistrale. Les échanges permettent en effet d'entrer dans l'intimité de l'acte de création. Il s'agit de sonder les mécanismes à partir desquels se construisent les idées artistiques, les méthodes créatives et les oeuvres.
    Cet ouvrage d'un accès agréable permettra aux amateurs comme aux spécialistes de faire mieux connaissance avec leurs photographes préférés et d'en découvrir d'autres.

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